Edgar Degas

Dieses und das folgende Gemälde mit demselben Titel (im Musée d'Orsay) sind die beiden aufwendigsten Ballettbilder, die der Künstler geschaffen hat,

Es handelt sich um eine imaginäre Szene im Probesaal der Pariser Oper. Es zeigt einige kleine Ballettschülerinnen mit ihren Müttern, die anlässlich des Prüfungstags im Saal sind.

Sehr ähnliche Version wie das vorherige Gemälde, mit derselben Perspektive und Situation. Die einzige Figur, die in derselben Position bleibt, ist der Ballettmeister Jules Perrot, sehr berühmt zu seiner Zeit.

Dies ist eines der Designs aus der Serie von Frauen, die in Zubern und Badewannen baden. Einen Teil der Inspiration für diese Motive fand er in den japanischen Holzschnitten, von denen Degas ein begeisterter Sammler war.

Alle haben das Gesicht vor dem Betrachter verborgen. Der Gesichtsausdruck ist hier entbehrlich, der Künstler möchte die Aufmerksamkeit auf die Tätigkeit, Anatomie und Handlung der Figuren lenken.

Es handelt sich um eines der ersten Werke mit dem Thema der Tänzerinnen, das er im Laufe seiner Karriere ausgiebig weiterentwickeln wird.

Als der Kunstkritiker Edmond de Goncourt Degas in seinem Atelier besuchte, sagte er über ihn: Nach großen Versuchen, Experimenten und Probeläufen in alle Richtungen hat er sich in das moderne Leben verliebt, und unter all den Themen des modernen Lebens hat er badende Frauen und Tänzerinnen ausgewählt.“

Es sind drei Versionen dieses Gemäldes bekannt, zwei davon im MET in New York und eine, in Schwarz-Weiß, befindet sich im Musée d’Orsay in Paris.

Es zeigt die Generalprobe mit der Aufregung und allen Elementen, die bei der Endaufführung verwendet werden: Bühnenbild, Kostüme, Frisuren und Beleuchtung. Besonders hervorzuheben ist die Licht- und Schattengestaltung, ein wiederkehrendes Element in seinen Werken.

Während das Originalbild sich im Besitz eines persönlichen Freundes des Malers befand, bat er ihn zwei Jahre nach dem Verschenken darum, es zurückzugeben, um einige Änderungen vorzunehmen. Das Ergebnis war eine vollständige Umgestaltung der Figuren.

Er entfernte 5 cm links und rechts und fügte oben einen etwa 20 cm breiten Leinwandstreifen hinzu, um alles zu bearbeiten, was heute die Mädchen auf der Bühne sind.

Das Interessante an dieser Arbeit ist, dass sie einen Vorschlag für Kontraste auf mehreren Ebenen präsentiert, einschließlich des Stils, da die Tänzerinnen im impressionistischen Stil und die Musiker realistisch gemalt sind. Weitere Gegensätze: Licht und Schatten; Unschuld und Reife; Anmut und Ernst; weiblich und männlich.

Dieses Genregemälde war das erste, das der Künstler an ein Museum verkaufen konnte; das markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere. Von nun an begann er, um Anerkennung zu kämpfen und vom Erlös seiner Werke leben zu können.

Die Szene spielt in einer realen Umgebung, nämlich im Baumwollgeschäft seines Onkels. Michel Musson.

Es handelt sich um ein Gruppenporträt, dessen Hauptfigur der Fagottist ist Désiré Dihau, ein persönlicher Freund des Künstlers.

Im oberen Teil, wie Engel, sind die glänzenden und in Bewegung befindlichen Tutus zu sehen, während alle anderen Mitglieder des Orchesters einen leicht furchtsamen Ausdruck haben und außerdem alle das gleiche Instrument spielen. All dies hebt die zentrale und Hauptfigur des Werks besonders hervor.

Doppelporträt mit der gesamten Ästhetik der damaligen Zeit: Es zeigt zwei Personen, die wie Fremde wirken – die Frau blickt ins Leere, der Mann schaut in eine andere Richtung. Vor ihr steht ein Glas, das vermutlich mit Absinth gefüllt ist, einem Getränk, das damals einen sehr schlechten Ruf hatte und mit dem Auslösen von Psychosen in Verbindung gebracht wurde.

Eine der wahrscheinlichsten Deutungen ist, dass der Künstler eine versteckte Kritik am Absinthkonsum formulierte. Das Bild wurde im Atelier des Künstlers gemalt, er verwendete Modelle und platzierte sie künstlich in einem echten Lokal, das er kannte: La Nouvelle Athènes, Paris.

Dies ist eines der auf den ersten Blick am leichtesten erkennbaren Werke des Künstlers und wurde häufig zur Herstellung von dekorativen Drucken verwendet.

Der Autor verwendet einen ausgeprägten impressionistischen Stil, indem er dicke Farbflecken nutzt, um die anmutigen Figuren und Lichteffekte zu gestalten. Die Figuren scheinen sich hinter dem Vorhang (rechts sichtbar) aufzuhalten und bereiten ihren Auftritt vor.

Für viele Kritiker gilt es als eines der schönsten Werke des Malers. Es war Gegenstand umfassender Analysen bezüglich der Proportionen und anatomischen Positionen, die er verwendet.

Ein besonderes Merkmal ist die natürliche Blickführung des Betrachters auf der Leinwand: Sie beginnt rechts, geht zur Mitte, dann nach links, doch da das, was die Tänzerinnen anschauen, nicht im Bild erscheint, kehrt der Blick zur Mitte zurück und verlässt das Bild wieder nach rechts.