Bartolomé Esteban Murillo

Die Inschrift unter dem Gemälde des Malers lautet auf Latein: "Bartus Murillo seipsum depingens pro filiorum votis acprecibus explendis" , was bedeutet "...malt sich selbst auf Wunsch seiner geliebten Kinder".

Obwohl der Maler relativ jung aussieht, wird angenommen, dass das Werk entstand, als der Künstler bereits über 50 Jahre alt war – eine Zeit, in der seine Kinder bereits alt genug waren, um stolz auf die Arbeit ihres Vaters zu sein.

Die Komposition folgt dem gleichen Muster wie die Kupferstiche auf den Vorsatzblättern der damaligen Bücher: Der Protagonist ist in einem Oval eingerahmt, darunter die Instrumente und Werkzeuge seines Handwerks: Stifte und Papier zu seiner Linken, eine Palette mit Pinseln zu seiner Rechten.

Justa und Rufina sind zwei Heilige, Töchter eines Töpfers, geboren im 3. Jahrhundert im heutigen Gebiet von Sevilla, das damals von den Römern regiert wurde. Aus dem 3. Jahrhundert, Töpfertöchter und Märtyrerinnen.

Auf dem Gemälde ist rechts die heilige Justa und links Rufina, zwei Jahre jünger, zu sehen. Auf dem Boden stehen Tonkrüge als Hinweis auf das Familiengeschäft. Der Glockenturm von Sevilla, heute Giralda der Kathedrale, da ihnen das Wunder zugeschrieben wird, dass der Turm beim Erdbeben von 1504 stehen blieb. Beide halten Palmzweige als Zeichen ihres Märtyrertodes, der erfolgte, weil sie sich weigerten, die römischen Götter anzuerkennen.

Murillo porträtierte nicht selten Kinder, und zwar Kinder aller Art: Heilige in ihren jüngsten Jahren, Engelchen in religiösen Allegorien und Kinder in Genrebildern, wie in diesem Fall.

Es handelt sich um eines der bekanntesten nichtreligiösen Werke des Künstlers, in dem die Elemente des Barockstils deutlich hervortreten, insbesondere was die Lichtbehandlung betrifft, das Chiaroscuro der Komposition, in der das Kind in einer schwarzen oder sehr dunklen Umgebung beleuchtet erscheint.

Die beiden Kinder sind Johannes der Täufer und Jesus, der dem ersten aus einer Muschel zu trinken gibt. Auch wenn die Szene nicht biblisch ist, bleibt sie durchaus plausibel, da beide Cousins waren und in ihrer Kindheit eng miteinander verbunden waren.

Dies ist eines der bekanntesten Werke des Malers. Es vereint die Elemente, in denen der Künstler am versiertesten war: Kinderdarstellungen und den Barockstil. So gelang ihm eine schöne und ausgewogene Komposition, die unzählige Male auf allen möglichen Medien reproduziert wurde, darunter Kunstdrucke, T-Shirts und andere Mode- und Dekorationsobjekte.

Das Werk zeigt den heiligen Hieronymus, der im 5. Jahrhundert einer der größten Sprachgelehrten für Hebräisch, Latein und Griechisch war. Er übersetzte einen Großteil der Bibel ins Lateinische, im Auftrag von Papst Damasus I. Daher wird dieser Heilige traditionell immer beim Schreiben oder Lesen dargestellt; ein weiteres bekanntes Gemälde zu diesem Thema ist Der schreibende Hieronymus von Caravaggio.

Dieses Werk zeigt den Tod des Apostels Andreas, der als einer der Väter der katholischen und orthodoxen Kirche gilt. Das Martyrium fand in der griechischen Stadt Patras statt, wo seine Kreuzigung (in X-Form) auf Befehl des römischen Konsulatsdelegierten Aegeatesangeordnet wurde, der nicht nur Zeuge der Predigt des heiligen Andreas und der daraus resultierenden Bekehrten zum Christentum war, sondern dessen eigene Frau sich zum Christentum bekannte – ein Umstand, den er nicht tolerieren wollte. Er ließ Andreas verhaften, auspeitschen und kreuzigen.

Das Werk entstand in Murillos künstlerisch fortgeschrittenster Phase; tatsächlich wurde es im selben Jahr seines Todes vollendet – eine Zeit, die dadurch gekennzeichnet ist, dass die Figuren sehr verschwommen und farbenfroher dargestellt sind. Darin ähneln sie einigen Techniken, die in der Renaissance wie das Sfumato, und anderen, die erst Jahrhunderte später entwickelt wurden, wie die Unschärfen des Impressionismus.

Die Vorliebe des Künstlers für diese Kleinen hängt damit zusammen, dass er zwischen 3 und 5 Kinder durch Krankheit verlor und dass damals Armut und Krankheit einen Großteil der sevillanischen Gesellschaft heimsuchten. Mit demselben Thema porträtierte er Kinder wie diesen, Lausbuben und Schelme, Beispiele dafür sind die Titel: "Junger Bettler", "Kinder, die Trauben und Melone essen".

Dieses Werk konzentriert sich auf die Reaktion der Weisen auf das Neugeborene, mehr als auf die klassische und biblische Beschreibung der Geschichte. Sie zeigen Freude und Hingabe und verstärken die Feierlichkeit des Moments, in dem die Jungfrau Maria das Kind schlicht präsentiert. Der Moment, in dem die Heiligen Drei Könige den Messias besuchen, wurde von vielen Künstlern der Renaissance und des Barock behandelt, eine der bekanntesten Versionen ist die „Anbetung der Könige“ von Velázquez.

Obwohl die biblische Passage kurz ist, hat die christliche Überlieferung das Ereignis mit allen möglichen Details ausgeschmückt, von denen viele im Werk dargestellt sind. Oben links ist der Stern von Bethlehem zu sehen, die Gewänder der Weisen unterstreichen den universellen Charakter der Religion: Jeder steht für ein Lebensalter des Mannes – Jugend, Reife und Alter – und für eine unterschiedliche geografische Herkunft (von den damals bekannten drei Kontinenten): Asien, Afrika und Europa.

Diese Version von Christus mit der Dornenkrone gilt als die gelungenste des Künstlers, der mehrere Fassungen desselben Titels schuf. Die bedeutendsten befinden sich im Prado (siehe) und im Museum von Cádiz (siehe).

Eine der ausgeprägtesten Fähigkeiten Murillos war seine Fähigkeit, Emotionen und Gefühle in den von ihm gemalten Gesichtern darzustellen, was in diesem Porträt großzügig gelungen ist.

Derzeit ist diese Version von Ecce Homo, ist in keinem Museum zu sehen, da es 2017 von einem privaten Sammler erworben wurde, der bei einer Sotheby's-Auktion fast 3 Millionen Pfund bezahlte.

Es handelt sich um eine Genredarstellung, die für die damalige Zeit und für den Maler recht untypisch ist. Es sind vier Figuren zu sehen, von denen die junge Frau, die in der Bildmitte steht, die auffälligste in der Komposition ist. Ihr Gesichtsausdruck – ein angedeutetes Lächeln, eine gespannte Wange und ein halb geschlossenes Auge – galt damals und in diesem Zusammenhang als Zeichen dafür, dass das Mädchen unverheiratet und verfügbar war. Daraus lässt sich klar ableiten, dass die ältere Frau die Beschützerin der drei Kinder ist und insbesondere dafür sorgt, dass das Mädchen einen Ehemann findet.

Das Kind links und das liegende Kind bestätigen den schelmischen Charakter, das eine durch den Gesichtsausdruck, das andere durch das Loch in seiner Hose.

Diese Genredarstellung ist eine der berühmtesten des Künstlers und weist typische Merkmale des Barocks auf.

Es zeigt zwei gut ausgeleuchtete Straßenjungen vor dunklem Hintergrund, in Aktion und Bewegung; sowohl die Blicke als auch die Hauptlinien der Komposition verlaufen diagonal. Der Detailgrad und Realismus der Figuren ist sehr hoch, so sehr, dass allein die Trauben am Boden ein Stillleben feinster Machart sein könnten. Das Licht kommt von oben links und wirft einen dichten Schatten zur gegenüberliegenden Ecke (Chiaroscuro).

Dieses Werk stammt aus der frühesten künstlerischen Periode des Malers und wurde zur Dekoration der Kirche und des Hospitals der Barmherzigkeit von Sevilla (siehe Wikipedia) – ein Hospiz, das gegründet wurde, um die Bedürftigsten aufzunehmen. Der Vater als Gottfigur empfängt den verlorenen Sohn, der nun zurückkehrt. Das Hündchen zeigt, dass die Szene ganz irdisch und nicht mythisch gemeint ist.

Diese biblische Szene wurde oft gemalt und gilt als eine der gelungensten ihrer Zeit, da sie die Gesichtsausdrücke und Körperhaltungen der Figuren hervorragend darstellt. Die Komposition in Bezug auf Farbgebung, Licht und Hintergrund erinnert an Werke von Tizian.

Ein weiteres berühmtes Gemälde zum selben Thema ist dieses sehr bekannte Version, gemalt von Rembrandt, die einen ausgeprägten barocken Stil der flämischen Schule aufweist.

Zeigt den Moment, in dem Jesus aufersteht und aus dem Grab tritt, während die Wachen am Eingang eingeschlafen sind. In seiner Hand hält er die Fahne der Erlösung – Symbol des Sieges über den Tod und seines Aufrufs zur Umkehr an Juden und Nichtjuden.

Dieses Meisterwerk zeigt ein Hell-Dunkel, bei dem das Licht vom Hintergrund des Bildes auf den Betrachter zufließt und mit voller Kraft direkt auf dem Kopf von Jesus erstrahlt, der die Leichentücher trägt, die Hand ausstreckt und den Blick zum Vater erhebt. Im unteren, schattigen Bereich schlafen drei römische Soldaten auf dem Boden.

Murillo verstand es meisterhaft, seinen Werken einen Hauch von Charme, Nostalgie und Schalkhaftigkeit zu verleihen; dieses Werk ist ein hervorragendes Beispiel dafür. Es zeigt zwei junge Frauen am Fenster, eine von ihnen steht im Zentrum, ist vollständig beleuchtet und schaut mit einem rätselhaften, ruhigen Lächeln den Betrachter an. Dahinter, im Halbdunkel, verbirgt die andere ihr gieriges Lachen mit einem Tuch. Die Kleidung beider, typisch spanisch für die damalige Zeit, weist auf eine gehobene Mittelschicht hin.

Die Figuren sind im Maßstab 1:1 dargestellt, was bewusst so gewählt wurde, um der Malerei mehr Wirkung zu verleihen, da sie so eher einem echten Fenster ähnelt, in das die Mädchen blicken. Dieses bildnerische Mittel ist auch in der flämischen Schule des 17. Jahrhunderts häufig zu finden, zum Beispiel bei: Jan van Eyck, Rembrandt oder Rubens.

Sankt Thomas von Villanueva (1486–1555) war ein spanischer Augustinermönch, der 1658 heiliggesprochen wurde und für seine Sensibilität gegenüber den Armen bekannt ist. Hier wird er in jungen Jahren gezeigt, wie er seine eigene Kleidung an arme Kinder verschenkt.

In diesem Werk beginnt man den wachsenden Hang des Künstlers zum "verwaschenen Stil" zu erkennen, bei dem die Konturen der Figuren verwischt und mit einem leichten Anschein von Transparenz dargestellt werden, ohne dabei an Realismus zu verlieren.

Im Werk wird die religiöse Hingabe des Künstlers sichtbar. Murillo war Katholik und gehörte der Rosenkranzbruderschaft an, die das Gebet des heiligen Rosenkranzes mit besonderem Eifer praktizierte. Deshalb ist das Kind mit einem Rosenkranz in der rechten Hand zu sehen. Die Haltung beider ist äußerst zart und sanft, was zusammen mit der Schönheit der Gesichter und der heiteren Gelassenheit der Ausdrücke ein erhabenes Werk ergibt, wie es nur wenige gibt.

Die Komposition zeigt Merkmale des Tenebrismus, durch starke Hell-Dunkel-Kontraste, ein Stil, der besonders in der frühen Schaffensphase des Malers verwendet wurde.

Franziskus von Paula war ein Mönch und später Eremit des 15. Jahrhunderts aus Italien, bekannt für sein äußerst asketisches Leben. Hier ist er in einer trostlosen, düsteren Landschaft dargestellt, mit zum Himmel erhobenem Blick, von woher ein Lichtstrahl kommt und das Wort „Caritas“ (Liebe) zu lesen ist. Die Lichtkugel wird von einer anmutigen Gruppe von fünf Engeln umgeben.

Dieses dramatische Bild des Apostels Petrus bezieht sich auf die biblische Erzählung von den Tränen, die ihn nach der dreifachen Verleugnung seines Meisters überkommen. Zugleich hat er die Hände gefaltet, als würde er um Vergebung bitten. Das Ölbild enthält klassische Elemente des barocken Chiaroscuro: einen düsteren Hintergrund und ein schräg herabfallendes Licht, das die Figuren und besonders das Gesicht hervorhebt.

Schon in den ersten Jahren wurde die Urheberschaft des Werks diskutiert, es wurde sogar behauptet, es stamme von José de Ribera, doch bald wurde die Angelegenheit geklärt. Der starke Einfluss Ribera’s auf dieses und andere Werke des Autors bleibt jedoch offensichtlich.